Concepteurs

Guy Laliberté

Fondateur

Guy Laliberté est né à Québec en 1959. Accordéoniste, échassier et cracheur de feu, il fonde, avec le soutien d'un noyau de complices, le premier cirque d’origine québécoise de réputation internationale. Visionnaire audacieux, M. Laliberté sait reconnaître et cultiver le talent des amuseurs publics de la Fête foraine de Baie-Saint-Paul pour créer, en 1984, le Cirque du Soleil.

Premier artisan du métissage des cultures et des disciplines artistiques et acrobatiques qui caractérise le Cirque du Soleil, Guy Laliberté a été, depuis 1984, le guide de l’équipe de concepteurs lors de la création de tous les spectacles. Il a ainsi contribué à élever les arts du cirque au rang des grandes disciplines artistiques.

Le Cirque du Soleil est aujourd’hui une entreprise internationale par la composition de son organisation, par ses influences et par l’étendue de ses activités. Guy Laliberté se retrouve à la tête d’une entreprise qui déploie ses projets et ses réalisations sur cinq continents.

En octobre 2007, Guy Laliberté réalise un deuxième grand rêve : il crée la Fondation ONE DROP visant à contrer la pauvreté en favorisant l’accès durable à l’eau potable. Ce projet, qui s’inscrit au cœur même de la survie des êtres humains et des sociétés partout sur la planète, est né des mêmes valeurs qui l’animent depuis les débuts du Cirque du Soleil : la conviction que ce que l’on donne à la vie nous revient et que chaque geste individuel peut faire toute la différence.

En septembre 2009, Guy Laliberté est devenu le premier explorateur privé canadien de l’espace. Sa mission avait pour but de sensibiliser l’humanité aux questions liées à l’eau sur la planète. Sous le thème L’eau pour tous, tous pour l’eau, cette première mission sociale et poétique dans l’espace visait à sensibiliser le public au moyen d’une approche artistique : une émission spéciale de 120 minutes diffusée sur le Web regroupant diverses prestations artistiques dans 14 villes sur cinq continents incluant la Station spatiale internationale.

Principaux prix et distinctions
En 2011, Guy Laliberté est intronisé au temple de la renommée de l’entreprise canadienne. Le célèbre Hollywood Walk of Fame consacre une de ses prestigieuses étoiles à Guy Laliberté en 2010. La même année, l’Ordre de la Pléiade du gouvernement du Québec élève Guy Laliberté au grade d’Officier, l’ayant fait Chevalier six ans plus tôt. En 2008, Guy reçoit un doctorat honoris causa de l’Université Laval, à Québec. L’année précédente, il est triple lauréat du Grand prix de l’entrepreneur d’Ernst & Young en remportant les honneurs des volets régional, national et international de ce prestigieux programme de reconnaissance. En 2004, la Gouverneure générale du Canada remet à Guy Laliberté l’insigne de l’Ordre du Canada, la plus haute distinction du pays. La même année, son nom figure au palmarès des cent personnes les plus influentes de Time Magazine. Guy Laliberté est également honoré par le groupe Condé Nast, en 2003, dans le cadre du Never Follow Program, un hommage aux créateurs et aux innovateurs. En 2001, il est nommé Grand Montréalais par l’Académie du même nom. En 1997, Guy Laliberté reçoit l’Ordre national du Québec, la plus haute distinction décernée par le gouvernement du Québec.

Autres prix et distinctions

2009
Lifetime Achievement Award décerné par l’Association canadienne du marketing (Canada)

2002
Intronisation au Canada’s Walk of Fame

1998
Visionary Award décerné par l’American Craft Museum (maintenant le Museum of Arts & Design à New York)

1996
Prix Vision nouvelle reçu au 43e Gala du Commerce (Québec)

1988
Personnalité de l’année, Gala Excellence La Presse (Québec)

1988
Entrepreneur de l’année décerné par le magazine Les Affaires (Québec)

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David Shiner

Auteur et metteur en scène

David Shiner aime faire rire les gens, mais il prend le métier de clown bien au sérieux. « Le clown nous permet de rester en contact avec ce qu'il y a de plus sacré en chacun de nous, raconte-t-il. Sur le plan du jeu, le métier de clown est extrêmement exigeant. Le clown est en proie à une nostalgie lancinante, sans cesse à la recherche du sens de son existence, de la place qu'il occupe dans le monde. »

Le clown et metteur en scène David Shiner a fait ses débuts dans le métier comme mime à Paris. Sa carrière a démarré véritablement en 1984 lorsque son talent a été révélé au festival du Cirque de Demain à Paris. Il a ensuite travaillé auprès de nombreuses compagnies, dont le Cirque Roncalli, en Allemagne, et le Cirque Knie, en Suisse, créant également un duo avec le célèbre clown et mime René Bazinet.

La première collaboration de David Shiner avec le Cirque du Soleil remonte à 1990, moment où il s'engage comme artiste dans Nouvelle Expérience. Il participera à la tournée canadienne et américaine de ce spectacle pendant 19 mois. David Shiner est peut-être le plus notoire des clowns du Cirque du Soleil grâce à ses numéros : il traverse la foule en enjambant littéralement les spectateurs, et crée un faux film muet mélodramatique avec la participation de quatre spectateurs. Nouvelle Expérience a d'ailleurs été capté sur film pour le réseau HBO en 1991. Ses autres prestations télévisuelles comprennent de nombreux passages à l'émission The Tonight Show avec Johny Carson et Jay Leno.

David Shiner a fait ses débuts au cinéma en 1992, incarnant un clown dans Lorenzo's Oil. L'année suivante, il servait de faire-valoir à Bill Irwin dans le film Silent Tongue de Sam Shepard. Bill Irwin et lui ont par la suite créé le spectacle duo sans paroles Fool Moon, une soirée de « folie inspirée » qui a tenu l'affiche de 1992 à 1999, y compris trois passages à Broadway. Fool Moon s'est mérité un prix Tony pour « meilleure performance live » en 1999, un prix Drama Desk pour « meilleure expérience autonome » et un prix du Outer Critics Circle pour « réalisation exceptionnelle de l'année ».

En 2000, David Shiner a créé le rôle de « Cat in the Hat », l'hôte et le guide de la comédie musicale Seussical à Broadway. À l'aide d'une bourse de la Pugh Foundation, il crée un spectacle au ACT Theatre de Seattle qu'il transformera plus tard en un spectacle solo intitulé David Shiner in the Round. En 2007, il signe la conception et la mise en scène du spectacle KOOZA du Cirque du Soleil.

« Banana Shpeel, c’est de la comédie pure, raconte David Shiner. Il existe des éléments très vaudevillesques dans Banana Shpeel, comme la danse excentrique, les chansons et les grands numéros comiques. Si le contenu du spectacle puise dans la forme classique du vaudeville, notre démarche est résolument moderne. »

David Shiner est né à Boston, au Massachusetts, en 1953.

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Serge Roy

Directeur de création

Serge Roy faisait partie de la famille du Cirque du Soleil avant même la création de l'entreprise en 1984.

Issu d'une famille de musiciens, Serge Roy a hérité d'un don naturel pour la musique et le show business. À l’âge de six ans, il monte sur scène pour jouer de la batterie auprès de son père saxophoniste. Après avoir touché au métier de chanteur, il choisit d’explorer d’autres avenues. Serge Roy fait des études en théâtre et joue de la batterie dans un groupe, mais c’est lorsqu’il débarque dans la petite ville de Baie-Saint-Paul qu’il a enfin le sentiment d’avoir trouvé sa place. À l’auberge de jeunesse locale, il rencontre et se lie d’amitié avec Gilles Ste-Croix et Guy Laliberté, occupés à imaginer les festivals et les spectacles qui allaient mener, quelques années plus tard, à la création du Cirque du Soleil.

Serge Roy sera tour à tour régisseur du spectacle Le Cirque du Soleil, directeur des tournées de Nouvelle Expérience et de Saltimbanco, coordonnateur artistique d'Alegría et de Mystère et directeur artistique de Dralion, de Quidam, de Mystère et de Saltimbanco. En 2005, il se voit confier la direction de création de KOOZA, spectacle mis en scène par David Shiner, avec qui il renoue sur Banana Shpeel.

Le poste de directeur de création fait appel aux talents de leadership de Serge Roy et assouvit sa soif de créativité et de complicité. « La clé pour réussir comme directeur de création, c’est la collaboration, dit-il. Il est le pont entre le rêve d’un metteur en scène invité et le savoir-faire que le Cirque a accumulé au fil des ans, tous deux se nourrissant l’un l’autre. L’un des ingrédients incontournables du succès, pour moi, c’est de s’amuser tout en contribuant à une œuvre commune dans un climat de complicité. »

Pour Serge Roy, Banana Shpeel est un collage hétéroclite et éclaté de styles et de disciplines. « Avec ce spectacle, nous souhaitons déstabiliser le public, confie-t-il. Qu’est-ce que cette fusion de vaudeville, d’arts clownesques, de claquettes, de danse excentrique, de hip hop, de farces physiques et de tours de magie hilarants? Ce n’est ni du cirque, ni une comédie musicale, ni un spectacle de variété, ni même du vaudeville. C’est Banana Shpeel! »

Serge Roy est né à Montréal, en 1957.

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Stéphane Roy

Scénographe

Influences familiales et amitiés de jeunesse : tout destinait Stéphane Roy à signer les décors de spectacles du Cirque du Soleil. Au contact d'un père architecte et d'une mère active en théâtre, il a acquis et développé ce regard à la fois social et artistique sur l'espace qui caractérise ses créations. Plus tard, il a côtoyé, à Baie-Saint-Paul, plusieurs des amuseurs publics qui allaient devenir les piliers du Cirque du Soleil.

Depuis l'obtention de son diplôme en scénographie de l'École nationale de théâtre du Canada, en 1988, Stéphane Roy a participé, comme scénographe ou directeur artistique, à une centaine de productions présentées à Montréal comme à l'étranger, dont Oncle Vania avec la Compagnie Jean Duceppe et La Mouette au Théâtre du Nouveau Monde, en 2006. De plus, depuis 1995, il a été le scénographe de plusieurs productions de la compagnie de danse contemporaine de réputation internationale La La La Human Steps. Actif principalement en théâtre et en danse, il a également travaillé en cinéma, en télévision, en publicité et dans le secteur des variétés.

Le Cirque du Soleil compte également parmi les principaux lieux de création de Stéphane Roy. Cette collaboration, initiée lors de la création du spectacle Dralion, s'est consolidée avec Varekai, Zumanity et, maintenant, KOOZA. « Au théâtre, explique-t-il, la scénographie concrétise le discours de l'auteur et le regard du metteur en scène. Au Cirque du Soleil, j'ai découvert la page blanche. Il s'opère, à chaque nouvelle création, une mise en abîme complète où aucune porte n'est fermée aux concepteurs. Le processus de création est libre et ouvert ».

Les réalisations de Stéphane Roy lui ont valu plusieurs prix et distinctions. Il a ainsi reçu, en 1989, le Prix de la révélation de l'année, toutes catégories, décerné par l'Association québécoise des critiques de théâtre. En 1992, le même organisme l'honorait du Prix de la meilleure scénographie. Son talent a également été récompensé par le Conseil des arts de la Communauté urbaine de Montréal, l'Académie canadienne du cinéma et de la télévision et l'Académie québécoise du théâtre.

« Dans KOOZA, j'ai voulu capter l'essence même du cirque en créant un environnement scénographique qui offre une réelle proximité avec les spectateurs, où le danger est palpable. Un espace scénique où tout se fait dans la simplicité et la transparence : même l'appareillage acrobatique, la structure du chapiteau et l'orchestre sont mis en évidence. »

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Marie-Chantale Vaillancourt

Conceptrice des costumes

Marie-Chantale Vaillancourt a signé, depuis près d'une vingtaine d'années, la conception des costumes d'un grand nombre de productions tant au théâtre qu'en danse, à l'opéra et au cinéma, qui ont fait le tour de la planète, en réussissant avec doigté le maillage des deux disciplines auxquelles elle appartient : le design de mode et la scénographie.

Depuis 1989, Marie-Chantale Vaillancourt est une fidèle collaboratrice de Robert Lepage, ayant participé à la création de nombreuses productions, dont Les sept branches de la rivière Ota, La géométrie des miracles, La face cachée de la lune, la tournée Growing Up de Peter Gabriel, La trilogie des dragons et le spectacle KÀ du Cirque du Soleil.

Marie-Chantale Vaillancourt a accumulé les accolades au fil des ans, au Québec comme dans le reste du Canada. Elle s'est entre autres mérité deux Masques de la conception de costumes en 1999 et en 2005, ainsi que de nombreuses nominations, notamment aux prix Genies et Jutras pour sa collaboration au long-métrage Nô de Robert Lepage.

Avec KOOZA, Marie-Chantale Vaillancourt signe sa deuxième collaboration avec le Cirque du Soleil, en tant que conceptrice des costumes.

« Même si KOOZA n'est pas qu'un spectacle de clowns, explique Marie-Chantale Vaillancourt, on y trouve de nombreux rôles incarnés par des acteurs comiques. Il fallait éviter les clichés et la caricature et miser plutôt sur des archétypes de personnages universels et intemporels. Une esthétique bédéiste s'est tout de même imposée, mais filtrée à travers le regard naïf du personnage principal de l'Innocent »

« Les costumes puisent leur source dans le roman graphique, la bande dessinée, les films de voyage dans le temps, des Aventures du Baron de Munchaüsen à Mad Max. L'inspiration vient aussi des tableaux de Gustav Klimt, de l'Inde et de l'Europe de l'Est. Cet univers visuel naïf, exotique et intemporel, évoque le monde des jouets, les soldats de plomb et les livres pour enfants, tout en faisant un clin d'œil espiègle à Alice au pays des merveilles et au Magicien d'Oz. »

Marie Chantale Vaillancourt est née en 1967, à Sept-Iles (Québec).

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Jean-François Côté

Compositeur

Claviériste, compositeur et musicien électronique depuis les années 1980, Jean-François Côté est très actif sur la scène musicale de Los Angeles. Musicien autodidacte, il a enchaîné les collaborations avec de nombreux artistes et groupes québécois innovateurs. Ce prolifique musicien, qui possède un rare instinct pour brosser des tableaux musicaux où les styles s'entremêlent, est toujours à l'affût de nouvelles sonorités, ayant tracé sa propre route et développé, au fil des ans, un style bien à lui.

Joueur de hockey durant son adolescence, Jean-François Côté a découvert la musique à l'âge de 16 ans, frayant avec des groupes rock et soul sur la scène montréalaise aux commandes de son clavier. À la même époque, Jean-François Côté a décroché un emploi au Cirque du Soleil comme gardien de sécurité sur le tout premier spectacle de l'entreprise intitulé Cirque du Soleil. « La nuit, se rappelle-t-il, je me glissais discrètement derrière le clavier du compositeur René Dupéré pour faire de la musique et parfaire ma technique. »

Plusieurs années plus tard, un soir où il accompagnait l'interprète Julie Masse sur la scène du Spectrum de Montréal, il attire l'attention du compositeur Benoit Jutras qui a signé la musique de nombreux spectacles du Cirque du Soleil. Cette rencontre mènera à la première collaboration de Jean-François Côté avec le Cirque en tant que chef d'orchestre sur Mystère et «O». Dans la foulée de cette association, il conçoit l'environnement sonore de la séquence de tambours Taiko du film Imax du Cirque du Soleil Journey of Man.

À titre de compositeur de la musique de KOOZA, Jean-François Côté se retrouve à nouveau dans un lieu de création qu'il qualifie des plus stimulants. « Malgré sa grande taille, dit-il, le Cirque a conservé sa vocation première : la création de spectacles de grande qualité. Le degré de liberté dont jouissent les créateurs est inégalé. »

Pour exprimer le côté humain et drôle de KOOZA, Jean-François Côté a procédé à un habile métissage des formes. « J'ai puisé mon inspiration dans les cultures musicales pop del'Occident – du funk des années 1970 à la musique orchestrale – tout en faisant de nombreuses incursions dans la musique traditionnelle indienne. Je fais aussi un clin d'œil à la musique du cinéma des années 1940 et 1950, une époque que j'affectionne tout particulièrement. »

Jean-François Côté est né en 1968, à Montréal.

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Clarence Ford

Chorégraphe

Clarence Ford est un prolifique danseur, chorégraphe, enseignant et réalisateur torontois dont les créations ont rayonné partout au Canada, aux États-Unis et ailleurs dans le monde. Ce partisan inconditionnel de la collaboration a côtoyé le légendaire James Brown et imprimé sa marque en stylisant les vidéoclips de Robbie Williams et de la formation Barenaked Ladies, entre autres.

À cinq ans, Clarence Ford s'imaginait joueur de hockey professionnel. À l'école secondaire, il a participé à des compétitions d'athlétisme, battant le record interscolaire du 100 mètres et attirant du coup les bourses d'athlétisme américaines. Il découvre la danse à l'âge de 17 ans et sa carrière d'artiste de scène prend son envol au moment où il se joint à Soul Express, une formation musicale qui a réalisé des tournées partout au Canada, et participé à des galas et des émissions télévisées, dont une émission spéciale sur le réseau CBC qui leur a été consacrée.

Au plan stylistique, Clarence Ford est un innovateur. Il est un des premiers chorégraphes en Amérique du Nord à intégrer les arts de la rue et le hip hop au patinage artistique. Ses chorégraphies ont mené deux patineurs sur la première marche du podium aux Jeux olympiques. Il a chorégraphié nombre d'émissions spéciales telles que Stars on Ice et collaboré avec des patineurs de renommée mondiale, dont Kurt Browning, Scott Hamilton, Victor Kraatz et Shae-Lynn Bourne. Il a aussi signé les chorégraphies d'émissions télévisées de remise de prix Juno, Genie et Gemini.

Chorégraphe auprès des grands studios de film – DreamWorks, Universal et Miramax, entre autres –, Clarence Ford a fait le tour du monde, travaillant notamment à Los Angeles, aux Antilles et en Europe. Son nom figure au générique de films comme The Ladies Man, avec Will Ferrell, The Tuxedo, mettant en vedette Jackie Chan et Jennifer Love Hewitt, Gossip, avec Kate Hudson, et Undercover Brother, avec Eddie Griffin et Billy Dee Williams.

En plus de signer la chorégraphie d'une quarantaine de publicités, Clarence Ford a produit, réalisé et chorégraphié des défilés de mode ainsi que de nombreux événements spéciaux, y compris le défilé de mode de Reebok diffusé sur la chaîne Fashion Television. Les formations musicales Arrested Development, Soul Decision (avec Christina Aguilera et N*SYNC), Soul Decision et Sugar Jones ont aussi fait appel à ses talents de producteur, de réalisateur et de chorégraphe.

Clarence Ford n'en est pas à sa première collaboration avec le Cirque du Soleil. En 1997, la chorégraphe Debra Brown l'invitait à prendre part aux ateliers de création de La Nouba, qui intègre certaines de ses chorégraphies. Il participait ensuite à la formation générale aux studios du Cirque à Montréal.

Les chorégraphies de KOOZA puisent leur inspiration dans la culture pop urbaine, la « danse excentrique » vaudevillesque, le jazz et les arts de la rue. « Les chorégraphies sont un mélange de styles et d'inspirations qui a mené à la création d'un langage distinctif chargé d'émotion, d'énergie et de tension dramatique », explique-t-il.

Clarence Ford est né à Toronto, en 1956.

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Martin Labrecque

Concepteur des éclairages (KOOZA, Corteo)

Avec les éclairages de Viva ELVIS, Martin Labrecque donne vie à sa troisième création avec le Cirque du Soleil, après Corteo et KOOZA.

La feuille de route de Martin Labrecque comprend plus d’une centaine de productions théâtrales. Il a contribué au succès critique de plusieurs créations québécoises dont L’homme en lambeaux, en 2001, pour laquelle il remporte un prix pour la conception des éclairages. En 2003, il est coauteur, avec Patrice Dubois, d’un spectacle sur la vie d’Orson Welles, Everybody’s Welles pour tous, honoré du Masque de la meilleure production Montréal. Il décroche deux autres Masques en 2005 et en 2007 pour les éclairages de Le peintre des madones et Hosanna, mises en scène par Serge Denoncourt. Ses tableaux de lumière ont récolté une dizaine de nominations.

Un habitué des arts du cirque, Martin Labrecque a collaboré aux spectacles Rain et Nomade du Cirque Éloize auprès du metteur en scène Daniele Finzi Pasca, qui a aussi signé le spectacle Corteo pour le Cirque du Soleil.

En 2009, Martin Labrecque remporte un prix Félix (Québec) pour la conception des éclairages du spectacle MUTANTES du chanteur québécois Pierre Lapointe. La même année, il signe les éclairages d’un spectacle de onze heures de l’auteur, metteur en scène et acteur canadien Wajdi Mouawad présenté dans la cour du Palais des Papes à Avignon. Il a également collaboré au spectacle Paradis Perdu mis en scène par Dominic Champagne.

« Pour Viva ELVIS, j’ai voulu apporter un peu de théâtralité dans un univers plus rock que celui dont le Cirque du Soleil à l’habitude. Dans les numéros acrobatiques, particulièrement, j’ai cherché à créer un équilibre entre les rythmes de la musique et une poésie visuelle. »

Martin Labrecque est né en 1972, à Montréal.

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Jonathan Deans

Concepteur sonore

Jonathan Deans, l'un des concepteurs de son les plus sollicités dans le monde du théâtre musical, signe, avec Viva ELVIS, la conception sonore de son treizième spectacle du Cirque du Soleil. Celui qui a façonné les ambiances sonores de Saltimbanco, «O», Mystère, La Nouba, Zumanity, KÀ, Corteo, LOVE, KOOZA, Wintuk, CRISS ANGEL Believe et OVO est stimulé par la démarche de création évolutive « work-in-progress » du Cirque du Soleil et par l'étroite collaboration qui se noue au sein de l'équipe de créateurs.

Acteur dès la tendre enfance, Jonathan Deans éprouve une fascination pour l'électronique et le son. C'est à l'âge de 15 ans, foulant déjà les planches avec la Royal Shakespeare Company, qu'il mettra son intérêt pour le son au service du théâtre. Après un périple comme ingénieur du son dans le milieu de la musique, notamment chez Morgan Studios où il frayera avec des artistes de renom tels que Cat Stevens, Paul Simon et Rick Wakeman, il renoue avec le théâtre par l’entremise du Royal Opera House (Covent Garden) et se voit confier le mixage sonore de la comédie musicale A Chorus Line. Un succès n'attendant pas l'autre, il devient opérateur sonore pour une douzaine de productions, y compris Evita, Cats, Bugsy Malone et The Sound of Music.

Le succès de Jonathan Deans venant aux oreilles des producteurs du « West End », il devient concepteur de son pour la comédie musicale Marilyn; s'ensuivront, entre autres, Time, Les Misérables et Mutiny, Jean Seberg, puis Ragtime, Fosse, King David, Damn Yankees, Taboo, Brooklyn, Lestat, Pirate Queen et Young Frankenstein sur Broadway.

Ses diverses réalisations comme concepteur de son lui ont valu de nombreux prix. En 1998 notamment, au moment où il mettait au point l'environnement sonore de La Nouba, Jonathan Deans a reçu le Entertainment Design Award de la production de l'année pour sa contribution au spectacle «O».

Pour Jonathan Deans, les spectacles permanents et les spectacles de tournée sont deux mondes distincts au plan sonore. « Les aspects techniques sont différents, explique-t-il, mais l’expérience sonore, les idées, le jeu de textures et la superposition de sons et de musique sont identiques.

« Si Elvis n’apparaît pas en chair et en os dans le spectacle, tout ce que nous faisons est en lien avec lui, explique Jonathan Deans. Il est donc impératif que le système de sonorisation fasse écho aux éléments visuels du spectacle et fasse honneur au King du rock’n roll. Les dimensions du théâtre de Viva ELVIS sont énormes, à l’image de ce personnage légendaire. Pour créer un environnement sonore digne de lui, nous avons installé des caissons de basse dans le plancher de manière à exploiter la résonance de la structure en béton du théâtre. Les vibrations infrasonores ainsi créées vont remuer les spectateurs, dans tous les sens du terme, au gré des prestations musicales et des effets sonores. »

Jonathan Deans est né en Angleterre et vit actuellement aux États-Unis.

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Leon Rothenberg

Concepteur sonore

Les réalisations de Leon Rothenberg en tant que concepteur de son mettent à profit les acquis d'une solide formation en composition musicale et en programmation. En 1995, il suit des cours de musique classique de l'Inde du Nord à l'école Sangit Mahabharati, à Mumbai, en Inde. Deux années plus tard, il décroche un double baccalauréat en musique et en informatique à l'Oberlin College, en Ohio. Il complète sa formation, en 2002, en obtenant une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en conception sonore au California Institute of the Arts.

« J'aime penser que mon approche de la conception sonore est teintée d'une certaine sensibilité et d'une certaine musicalité, commente-t-il. Je savais tout jeune que je voulais faire carrière en musique. Je jouais de plusieurs instruments, mais je consacrais aussi beaucoup de temps à faire des expériences avec un magnétophone à bobines. Au collège, je composais de la musique pour le théâtre, mais je me suis rendu compte que la composition et la conception sonore au théâtre me permettaient de collaborer avec plein d'artistes. »

Leon Rothenberg a enseigné l'« écoute créative » et la conception sonore avant de prendre part, en tant qu'ingénieur de production et concepteur, à des créations universitaires et communautaires en Californie du Sud. Ses talents ont attiré l'attention du milieu, notamment au Mark Taper Forum de Los Angeles, mais aussi ailleurs en Californie et à New York. En 2003, il a conçu les tableaux sonores d'une méga-production de King Lear présentée à Los Angeles et en France. Cette production complexe se déroulait dans plusieurs immeubles. Il a aussi participé à la réalisation de nombreux films d'animation expérimentaux.

Wintuk marque la cinquième collaboration de Leon Rothenburg à un spectacle du Cirque du Soleil. Il était l'assistant du concepteur de son Jonathan Deans lors de la création de KÀ, de Corteo et de LOVE. Il participe à sa deuxième production du Cirque, après KOOZA, à titre de concepteur de son à part entière.

C'est en ces termes que Leon Rothenberg résume sa démarche pour le spectacle Wintuk : « Il fallait concilier les aspects visuels et sonores du spectacle de manière à ce que tous les spectateurs bénéficient de la meilleure expérience possible, où qu'ils soient assis dans la salle. »

Leon Rothenberg est né en 1974, à Boston (Massachusetts).

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Rogé Francoeur

Concepteur des accessoires

Si Rogé Francœur rêvait d'être chanteur ou comédien lorsqu'il était jeune, c'est plutôt derrière la scène que sur les planches qu'il a fait sa marque, notamment au cinéma, au théâtre et en télévision. Après avoir fait des études en arts visuels au Québec et participé à des ateliers libres de sculpture à l'Université York de Toronto, il s'installe à Montréal. Dès lors, il s'aperçoit qu'il pourrait mettre à profit ses talents dans les domaines du théâtre et du cinéma.

Rogé Francœur s'intègre rapidement dans le monde du spectacle. Il collabore à plusieurs films en tant que maquettiste et concepteur d'accessoires. Son nom figure notamment au générique de Taming of the Demons, d'Émile Radok (1985), une expérience qui s'avèrera déterminante dans son choix de carrière. Il a aussi contribué son regard tridimensionnel aux films Agaguk, de Jacques Dorfmann (1990-1991), Zelda, de Pat O'Connor (1993), et Screamers, de Christian Duguay (1995).

En 1996, Rogé Francœur participe à une exposition sur le cinéma à Tokyo – Cinéma Avenue Japon – comme assistant à la conception et à la réalisation des maquettes de présentation. Dès 1996, le concepteur des accessoires exerce son métier par l'entremise de son propre laboratoire de création, l'Atelier Rogé Francœur. Depuis six ans, soucieux de faire bénéficier la relève de son expérience, il enseigne la conception d'accessoires, la fabrication de maquettes et la peinture scénique au Cégep de Saint-Hyacinthe. Il complète présentement une maîtrise en pédagogie portant sur le processus de création de spectacles.

La première collaboration de Rogé Francœur avec le Cirque du Soleil remonte à 1992. Cette année-là, il a travaillé à la création de Saltimbanco auprès de la conceptrice de costumes Dominique Lemieux. De 1993 à 1994, il conçoit et réalise les accessoires pour les spectacles Mystère et Alegría en collaboration avec le scénographe Michel Crête. Depuis 2003, il agit à titre de consultant pour des projets de recherche-développement. KOOZA marque sa première véritable collaboration en tant que membre de l'équipe de création.

C'est l'expérience de Rogé Francœur avec les clowns du spectacle Alegría qui a d'abord attiré l'attention du Cirque du Soleil. « KOOZA est une incursion dans le monde imaginaire de David Shiner, explique-t-il. Le jeu des acteurs comiques est de haut niveau et, à ce titre, l'accessoire ne doit jamais éclipser le personnage. J'ai le souci constant de la simplicité, de l'ergonomie et de l'intégration aux décors et aux costumes.»

« Lorsque je conçois un accessoire, dit Rogé Francœur, ma démarche est plutôt impressionniste. L'accessoire n'est véritablement révélé que lorsqu'il est vu dans le contexte global du spectacle. »

Rogé Francœur est né en 1963, à Macamic, en Abitibi (Québec).

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Danny Zen

Concepteur des équipements et des gréements acrobatiques

En 1990, Danny Zen s'enrôle au Cirque du Soleil comme soudeur et assembleur aux ateliers de Longueuil. Au cours de la même année, il participe à la toute première tournée européenne avec Cirque Réinventé, puis avec Nouvelle Expérience où il cumule les fonctions de soudeur, assembleur, mécanicien et chef placier. Il participe à la tournée de Saltimbanco, en 1992, comme technicien de tente. Tout en étant responsable technique du Studio de création, Danny Zen a aussi mis ses connaissances techniques à contribution lors de la création des spectacles Alegría, Mystère, Quidam, Dralion, Varekai, «O», La Nouba et KÀ. De plus, il été chef gréeur pour Quidam en 1996.

À partir de 1993, Danny Zen travaille au développement du studio de création tel qu'il est aujourd'hui. À titre de chef gréeur et de responsable technique, c'est en grande partie grâce à son travail innovateur qu'ont été créées et établies les normes existantes du Cirque du Soleil en matière de formation des gréeurs et de sécurité des artistes et des techniciens. Ayant également travaillé à l'École nationale de cirque, Danny Zen a, au fil des ans et des productions, participé à la conception de la plupart des éléments acrobatiques aériens de l'univers du Cirque du Soleil.

KOOZA marque la deuxième collaboration de Danny Zen à un spectacle du Cirque du Soleil comme concepteur des gréements acrobatiques, rôle qu'il assume tout en demeurant directeur technique de la recherche et du développement au studio de création.

Pour ne pas détourner l'attention des spectateurs de l'essentiel, l'équipe de KOOZA a voulu réduire au minimum les manipulations sur scène et éviter le recours à l'automation. « Dans KOOZA, explique Danny Zen, les numéros aériens sont de haut calibre. Pour les mettre pleinement en valeur, j'ai misé sur la simplicité, la fluidité et la légèreté à tout point de vue. »

Danny Zen est né en 1965, à Saint-Luc, en Montérégie (Québec).

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André Simard

Concepteur de la performance acrobatique (Varekai, KOOZA)

André Simard et le Cirque du Soleil sont faits l’un pour l’autre. Celui qui met sa quête effrénée du dépassement au service de la créativité incarne, pour le Cirque, la fusion idéale entre les aptitudes physiques et l’approche esthétique de la performance.

André Simard collabore avec le Cirque du Soleil depuis 1987. Il crée alors pour le spectacle Nouvelle Expérience un numéro de trapèze ballant qui enclenche une véritable révolution dans le mouvement aérien de haute voltige. Les prouesses acrobatiques des artistes évoluant entre ciel et terre, dans une salle ou un chapiteau, prennent sous sa signature des allures de ballets fluides. Entre 1989 et 2000, treize des numéros qu'il a conçus pour le Cirque du Soleil , l'École nationale de cirque ou pour sa propre compagnie artistique, le Studio de création les gens d'R, ont été récompensés dans des festivals réunissant les meilleurs artistes de cirque du monde entier.

Le Cirque du Soleil a fourni à André Simard la plate-forme dont il avait besoin pour transformer ses numéros aériens en véritables œuvres d’art. C'est à lui que les nouveaux arts du cirque doivent la création de la discipline du tissu aérien, en 1995. Le numéro du « bateau » dans le spectacle «O» est un autre exemple de ses innovations technologiques et chorégraphiques issues de sa collaboration avec le concepteur d'appareils acrobatiques Jaque Paquin. Plus généralement, André Simard a conçu la majorité des numéros aériens des spectacles du Cirque du Soleil présentés actuellement dans le monde.

Depuis plus de 30 ans, André Simard réussit avec bonheur le maillage des trois univers auxquels il appartient, soit les beaux-arts, le sport d'élite et le cirque! En effet, au début des années 1970, André Simard a mené simultanément une carrière au sein de l'Équipe nationale de gymnastique du Canada et des études à l'Institut des arts graphiques de Montréal. Au moment où il préparait sa participation aux Jeux Olympiques d'été de 1972, à Munich, il entraînait des clowns et autres amuseurs publics au Centre Immaculée-Conception à Montréal, le précurseur de l'École nationale de cirque de Montréal. « Je cherche constamment à mari er les règles de biomécanique, utilisées dans l'entraînement sportif, à la puissance évocatrice des arts de la scène », dit-il. Cette approche a également marqué son enseignement à l'École nationale de cirque de Montréal, puis au Centre national des arts du cirque de Châlons-sur-Marne et à l'École nationale de Cirque de Rosny-sous-Bois, tous deux situés en France.

En 1995, il fonde le Studio de création les gens d'R, à Montréal. Ce projet artistique est pour André Simard l'occasion de pousser encore plus loin l'expression de l'émotion par le mouvement aérien. En 2001, la troupe présentait en première mondiale à Venise le spectacle Échos, créé à l'invitation des organisateurs de la célèbre Biennale.

André Simard éprouve une fascination pour les airs : « Je vole beaucoup dans mes rêves, confie-t-il. Je ne pense plus pouvoir voler à mon âge, mais ça fait encore partie de moi. Planer et voler dans les airs, c’est dans mon sang. C’est quelque chose que je peux très bien imaginer. »

« Pour CRISS ANGEL Believe, j’ai conçu une façon de faire tournoyer les personnages des derviches en dissimulant une corde dans le costume des danseurs, explique André Simard. En plus d’intégrer des éléments acrobatiques aux numéros de danse des créatures sur échasses, j’ai aussi mis au point un appareil acrobatique motorisé pour le personnage de Kayala. Lorsqu’elle émerge de sa fleur pour exécuter son numéro de cerceau, elle empoigne les pétales qui sont en réalité des appareils acrobatiques composés de tubes flexibles en PVC transparent parfaitement intégrés au costume. »

André Simard est né en 1945, à Montréal.

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Florence Cornet

Conceptrice des maquillages

Depuis plus de vingt ans, Florence Cornet explore mille et une manières de toucher le public au moyen de ses maquillages.

Après avoir complété des études au Collège de Sainte-Foy (Québec) au début des années 1980, Florence Cornet a suivi des cours de maquillage auprès du scénographe gaspésien Yvan Gaudin. Cette expérience l'éveille à son futur métier. Elle continue sa formation auprès de Mikie Hamilton et son école de Mytho Maquillages. Avant même d'atteindre l'âge de vingt ans, elle entame une carrière prolifique dans sa discipline.

Cultivant ses multiples intérêts, Florence Cornet se rend en France en 1985 pour y suivre un stage en maquillage. Cela l'amène, entre autres, au Festival mondial de la marionnette où elle assumera le double rôle de directrice artistique et de scénographe d'un spectacle multiculturel. Au fil des ans, elle cumulera une impressionnante feuille de route dans les domaines du maquillage, du costume, de la direction artistique et de la marionnette, collaborant notamment à quelque 200 productions au Québec. Le Théâtre Petit à Petit, le Théâtre du Trident, le Théâtre de la Licorne et le Théâtre du Nouveau Monde comptent parmi ses principaux lieux de création. Elle a collaboré avec des metteurs en scène québécois de renom, dont Serge Denoncourt, Dominic Champagne, Claude Poissant, Wajdi Mouawad, Denise Guilbault, Michel Lemieux et Victor Pilon.

En plus d'enseigner le maquillage depuis une vingtaine d'années, dans diverses écoles de théâtre ainsi qu'à l'École nationale de cirque de Montréal, Florence Cornet a œuvré en cinéma et en télévision, notamment en tant que chef maquilleuse dans la télésérie Hommes en quarantaine. En 2000, elle est en nomination pour un Prix Gémeaux (meilleurs maquillages) pour sa collaboration au film Une âme immortelle de Cine Qua Non Film, réalisé par Bernar Hébert.

Florence Cornet n'en est pas à ses premières armes avec le Cirque du Soleil. Elle a participé au spectacle KÀ en 2004 et à quelques événements spéciaux à titre d'assistante aux maquillages. Elle signe, avec KOOZA, sa première création à titre de conceptrice des maquillages.

Dans ses concepts de maquillages, Florence Cornet a misé sur une facture naturelle et libre. « J'ai exploré des textures inspirées du Moyen-Orient et de l'Afrique, où on a recours au doré, aux bijoux, au brillant et à la terre. J'ai adopté une signature qui privilégie la spontanéité du geste, qui accentue l'asymétrie des traits et leur côté instinctif et rituel. »

Québécoise d'adoption depuis l'âge de cinq ans, Florence Cornet habite Montréal depuis une vingtaine d'années. Elle est née en 1963, à Toulon, dans le sud de la France.

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